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Jaadugar – A Witch in Mongolia: recensione del manga storico J-POP che trasforma la conoscenza in libertà

Jaadugar – A Witch in Mongolia è il nuovo manga storico di Tomato Soup pubblicato in Italia da J-POP Manga, un’opera intensa che mescola ricostruzione storica, crescita personale e una riflessione potente sul valore dello studio come strumento di sopravvivenza.

Ambientato nel XIII secolo, tra Persia medievale e territori segnati dalle guerre di conquista, il manga racconta una storia che parla al passato ma colpisce dritta nel presente, affrontando temi come schiavitù, identità, migrazione forzata e libertà interiore.

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Trama: Tredicesimo secolo. Fatima, una giovane persiana resa prigioniera dall’impero mongolo, decide di servire nel palazzo imperiale mettendo a disposizione le conoscenze mediche e scientifiche acquisite con il tempo, molto avanzate per l’epoca. Il suo incontro con Töregene, sesta moglie del secondo imperatore Ögödei, figlio di Gengis Khan, guidata da sentimenti contrastanti riguardo l’impero mongolo, cambierà per sempre il proprio destino…

Recensione

Un manga storico che racconta guerra e sradicamento. Uno degli elementi più forti di Jaadugar – A Witch in Mongolia è la rappresentazione dello sradicamento umano causato dalle guerre.

Sitara viene strappata più volte dalla propria realtà: prima dalla sua terra natale, poi dalla famiglia che l’aveva accolta, fino a ritrovarsi nuovamente schiava in contesti completamente diversi, con altre lingue, altre tradizioni, altre regole sociali.

Il manga attraversa culture persiane, arabe e influenze buddhiste, mostrando come i conflitti non distruggano solo territori, ma identità, legami e vite intere. La protagonista è costretta a reinventarsi ogni volta per sopravvivere, diventando il simbolo della resilienza umana davanti al cambiamento forzato.

Da Sitara a Fatima: il potere simbolico della fiamma

Uno dei passaggi più intensi della storia è il momento in cui Sitara cambia nome e diventa Fatima. Non si tratta di una semplice imposizione, ma di una scelta che nasce osservando le fiamme. Il fuoco diventa metafora della sua anima: può essere spostato, minacciato, piegato dalle circostanze, ma non può essere spento senza il suo consenso.

Questa fiamma rappresenta la sua volontà di vivere, ma soprattutto il sapere che accumula nel tempo. Anche quando perde tutto, casa, affetti, sicurezza, ciò che ha imparato resta con lei, diventando la sua vera forma di libertà. È uno dei simbolismi più riusciti dell’opera, capace di legare identità personale e conoscenza in modo potente.

La conoscenza come arma di sopravvivenza

Il cuore tematico di Jaadugar è chiaro: lo studio non è un ornamento culturale, ma una necessità vitale.
In un mondo dominato da violenza, gerarchie sociali e potere politico, Sitara riesce a costruirsi un futuro grazie a ciò che apprende. Ogni informazione diventa uno strumento per capire il sistema che la circonda e per muoversi al suo interno.

È un messaggio che attraversa i secoli e resta incredibilmente attuale: nei momenti di crisi, quando tutto viene tolto, la conoscenza resta spesso l’unica vera risorsa che permette di rialzarsi.

Ambientazione storica e stile narrativo

Dal punto di vista artistico, Tomato Soup ricostruisce con grande cura la Persia medievale. Gli ambienti, i costumi e le dinamiche sociali risultano credibili e immersivi, dando al lettore la sensazione di trovarsi davvero in quell’epoca.

La narrazione procede con ritmo riflessivo ma mai lento, alternando momenti intimi a svolte drammatiche che accompagnano la crescita della protagonista in modo naturale.

È un manga che punta più sulla profondità emotiva che sull’azione spettacolare, rendendo ogni cambiamento di Sitara significativo.

Perché leggere Jaadugar – A Witch in Mongolia

Questo manga è perfetto per chi ama:
le storie storiche ben documentate
i percorsi di crescita personale
le protagoniste femminili forti e complesse
i manga che fanno riflettere oltre a intrattenere

Non è solo una storia ambientata nel passato, ma una narrazione universale sulla libertà conquistata attraverso la mente.

Conclusione

Jaadugar – A Witch in Mongolia è un manga storico intenso, simbolico e profondamente attuale.

Attraverso il viaggio di Sitara — diventata Fatima — Tomato Soup racconta come la conoscenza possa diventare l’arma più potente contro l’oppressione, la perdita e la violenza della storia.

Un’opera che emoziona, fa riflettere e lascia il segno, dimostrando che anche nelle epoche più oscure la luce dello studio può continuare a bruciare come una fiamma impossibile da spegnere.

Gorgonia: retelling greco Boys Love tra Medusa, Perseo e il destino degli dèi

Ci sono retelling che nascono per semplificare il mito e altri che, invece, scelgono la strada più difficile: ascoltarlo davvero.
Gorgonia, volume unico scritto da Cristina Kokoro e illustrato da Eleonora Gatta, pubblicato da Planet Manga, appartiene senza dubbio alla seconda categoria.

Questa non è una semplice rilettura della mitologia greca, ma un’opera che prende il mito di Medusa e Perseo, lo attraversa nella sua dimensione più tragica e lo ricostruisce attraverso una chiave Boys Love profonda, consapevole e strutturale. Qui il mito non viene addolcito, né reso rassicurante: resta crudele, ambiguo, dominato dagli dèi, ma viene interrogato dall’interno attraverso il desiderio umano e la volontà di opporsi a un destino già scritto.

In questo articolo troverete una recensione completa e approfondita di Gorgonia: dall’analisi narrativa dei personaggi alla gestione del mito, dal valore del BL alla messa in scena visiva, fino al suo posizionamento nel panorama attuale dei retelling greci.
Se invece volete continuare la discussione, vedere contenuti visivi, caroselli di approfondimento e parlare di manga e webtoon ogni giorno, vi aspetto anche su Instagram.

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Trama:

Tutti conoscono il mito greco di Perseo, il grande eroe figlio di Zeus
che ha reciso la testa della Gorgone. Ma se alla storia arrivata fino a
noi mancassero alcuni pezzi andati perduti nel tempo? E se addirittura
mancasse qualcuno? Gorgonia narra di tre ragazzi, Koral, Perseo e
Medusa, e dei loro destini intrecciati dalle abili mani della dea Atena
e degli dei tutti. La storia di un’amicizia che si trasforma in amore e di
un legame così puro e forte da diventare quasi una maledizione, tanto
da non poter lasciare indifferenti le divinità. Perché “nulla possono
gli uomini contro la volontà del Fato e degli dei”. Cristina Kokoro
ed Eleonora Gatta rivisitano il famoso mito di Perseo e Medusa in
chiave boys’ love, in una struggente storia a fumetti da leggere tutta
d’un fiato!

Recensione

Un retelling greco che rifiuta la semplificazione

Nel panorama attuale dei retelling mitologici, Gorgonia si distingue per una scelta netta: non rendere il mito più facile. Molte riscritture contemporanee tendono a trasformare le leggende greche in racconti più lineari o emotivamente rassicuranti. Qui accade l’opposto. Il mito resta tragico, ciclico, dominato dal destino e dalla volontà divina.

Cristina Kokoro non ribalta semplicemente i ruoli tradizionali, ma smonta la struttura del mito e la ricompone dall’interno, interrogandone i meccanismi più profondi: colpa, punizione, obbedienza, ribellione.

Medusa uomo: corpo, identità e punizione

La scelta di rappresentare Medusa come uomo è uno degli elementi narrativi più forti dell’opera. Non si tratta di una provocazione, ma di una decisione coerente e carica di significato. Il corpo di Medusa diventa il luogo su cui si esercita il potere divino, uno spazio di controllo e violenza simbolica, ma anche di resistenza.

In questa chiave, il Boys Love non è un genere aggiunto a posteriori, ma una lente attraverso cui osservare il mito. L’amore tra uomini, storicamente presente nella cultura greca, viene qui recuperato con rispetto e profondità, senza idealizzazioni né spettacolarizzazioni.

Perseo e Coral: destino e frattura

Perseo è lontano dall’archetipo dell’eroe invincibile. È un personaggio attraversato dal dubbio, costretto a muoversi tra dovere imposto e desiderio personale. La sua forza non sta nella vittoria, ma nella tensione costante tra ciò che deve fare e ciò che sente.

Coral (Opis) è la vera frattura del mito. Figlio illegittimo, segnato dalla sfortuna, incarna uno dei temi più antichi della mitologia greca: l’eredità della colpa. Narrativamente, è il perno emotivo dell’opera. Il triangolo tra Medusa, Perseo e Coral non nasce per shock narrativo, ma per equilibrio drammatico. Ognuno dei tre esiste solo in relazione agli altri due.

Il Boys Love come atto di resistenza

In Gorgonia, l’amore non salva dal destino: lo sfida. Il desiderio di una vita semplice, mortale, fatta di mare, di corpi e di libertà, si oppone frontalmente al volere di Zeus, Atena e Poseidone. È una dinamica profondamente greca: l’hybris non è l’amore, ma il tentativo di sottrarsi a un destino imposto dall’alto.

Una messa in scena visiva lenta e sensoriale

Il comparto grafico di Eleonora Gatta è di una delicatezza straordinaria. I cieli, il mare, i tramonti e il buio delle acque non sono semplici sfondi, ma elementi narrativi. L’atmosfera è costruita con pazienza, invitando il lettore a rallentare e ad ascoltare la storia, come si ascolterebbe un mito raccontato al crepuscolo.

Un volume unico BL atipico

Dal punto di vista editoriale, Gorgonia è un volume unico Boys Love atipico per il mercato italiano. Non segue le dinamiche seriali, non cerca l’immediatezza, ma offre un’esperienza chiusa, compatta e completa. È una lettura che richiede attenzione, ma che ripaga con profondità e risonanza emotiva.

Il mio adorabile poliziotto – l’amore che matura con il tempo: la recensione completa del manga di Niyama (Magic Press)

Torniamo a parlare di Boys Love con un titolo che ha conquistato lettori in Giappone e ora arriva finalmente anche in Italia in una box curata da Magic Press: Il mio adorabile poliziotto, firmato da Niyama.
Una storia che mescola dolcezza, ironia e un’intensa riflessione sull’amore adulto, le seconde possibilità e il coraggio di accettare se stessi.

Io sono Francesca, e come sempre potete seguirmi su Instagram @book_dealer_, dove condivido approfondimenti, rubriche e consigli sui migliori manga e webtoon del momento.

Trama: Seiji Tajima è un ex-poliziotto, ora negoziante quarantenne e single, amico stretto di un pubblico ufficiale chiamato Shin Nakamoto. Shin, che conosce Seiji sin da quando l’uomo era nella polizia e lui era solo uno studente di scuola superiore, ha a lungo covato un amore segreto per lui, ma ormai si è accontentato di restargli a fianco come amico. Finché un giorno, per caso, Seiji menziona l’idea di provare a tentare la fortuna in campo sentimentale con un uomo… In quel momento, i sentimenti di Shin tornano violentemente alla ribalta.

Recensione

Il mio adorabile poliziotto è un Boys Love che si distingue per la maturità emotiva e per la lucidità narrativa con cui affronta i sentimenti tra due uomini che si ritrovano in un momento fragile delle loro vite.

Niyama costruisce con maestria un rapporto che non nasce dalla passione improvvisa, ma dalla familiarità del quotidiano: lo sguardo che si incrocia dietro al banco del negozio, la routine del quartiere, il piccolo disordine domestico che diventa intimità. È proprio questa normalità a rendere l’opera autentica.

Seiji è un protagonista meravigliosamente imperfetto: un uomo adulto che usa la comicità come difesa, che parla senza filtri e vive senza porsi troppe domande, ma che nasconde un fondo di malinconia e una tenerezza disarmante. È l’emblema di chi non sa più se l’amore fa per lui, ma che finisce per esserne travolto.
Shin, al contrario, è composto, serio, riflessivo. Rappresenta il desiderio represso, la costanza, la fedeltà silenziosa. In lui c’è la pazienza di chi ha amato in segreto e la dolcezza di chi sceglie di aspettare.

La differenza d’età tra i due non è trattata come elemento di scandalo, ma come occasione di confronto generazionale. Shin è l’uomo che cresce e si fortifica, Seiji quello che riscopre la voglia di vivere. Entrambi cambiano, si influenzano, si educano l’uno all’altro.

Ciò che sorprende è l’abilità di Niyama nel dosare dramma e ironia: quando la tensione emotiva si fa più intensa, una battuta di Seiji rompe l’atmosfera e riporta la storia a terra, senza farla mai cadere nel melodramma.
L’autrice non idealizza i suoi personaggi: li lascia umani, buffi, contraddittori. Persino la gatta di Seiji diventa una presenza viva e coerente nel racconto, un piccolo simbolo di equilibrio domestico e affetto sincero.

Dal punto di vista grafico, il tratto è pulito ma espressivo, con una particolare attenzione agli sguardi e alla gestualità. Le scene più intime non risultano mai eccessive, ma mantengono una sensualità sobria, perfettamente bilanciata al tono complessivo.

Il ritmo narrativo si mantiene costante per tutti e tre i volumi, accompagnando il lettore in una crescita sentimentale che culmina nel terzo, dove entrambi i protagonisti si confrontano con il futuro, non più come due individui separati, ma come coppia.

La Box Magic Press

L’edizione italiana proposta da Magic Press raccoglie i tre volumi della serie più una storia extra di 16 pagine, in cui Shin e Seiji incontrano i protagonisti di Se insisti, un’altra opera di Niyama pubblicata dalla stessa casa editrice.
La box è curata nei dettagli, con stampa di qualità, copertine opache e inserti a colori, rendendola un piccolo gioiello da collezione per gli amanti del genere Boys Love.

Conclusione

Il mio adorabile poliziotto è una storia di rinascita e autenticità, dove l’amore non è idealizzato, ma vissuto nella sua forma più quotidiana e sincera. È il racconto di due uomini che, nonostante il tempo e le paure, imparano ad accettare se stessi e a concedersi la felicità.

Niyama dimostra di saper scrivere con equilibrio e sensibilità, alternando sorrisi e riflessioni, senza mai forzare l’emotività. È un’opera che parla con leggerezza di argomenti complessi, come la maturità sentimentale, la solitudine e la libertà di amare chi si vuole, indipendentemente dal genere.

Una lettura consigliata a chi cerca nel Boys Love non solo romanticismo, ma umanità, ironia e crescita personale.
Personalmente, lo considero uno dei titoli più completi e raffinati arrivati in Italia negli ultimi anni nel panorama BL.

Voto personale: 8/10

Wind Chaser – Recensione del manhua (Toshokan): correre quando non resta nient’altro

Ci sono storie che non si leggono soltanto: si respirano, si vivono, si corrono. Wind Chaser – Più veloci del vento, edito da Toshokan, è una di queste. Un manhua che intreccia la memoria storica della Seconda Guerra Mondiale con la delicatezza di un’amicizia nata tra i binari e la pista d’atletica.
In un’epoca in cui il cielo di Taiwan era solcato dai bombardieri e la vita poteva spezzarsi da un momento all’altro, due ragazzi scelgono di correre. Non solo per superarsi, ma per resistere, ricordare e lasciare una traccia che vada oltre la distruzione.

Con questo articolo voglio raccontarti perché questa opera, vincitrice del Golden Award al 17° International Manga Award, è molto più di una semplice storia di sport e guerra: è una riflessione sulla fragilità e sulla forza dell’essere umano.

Trama

Verso la fine della Seconda Guerra Mondiale, i cieli di Taiwan sono attraversati senza sosta da aerei militari. Le esplosioni si susseguono, l’aria odora di polvere da sparo. In questo caos, due adolescenti si riconoscono nella stessa fame di velocità.

Miyahara Ryo, appassionato di treni, contagia con questo amore Yin Li-Sen. Affascinati dai convogli che sfrecciano sulle rotaie e uniti dal desiderio di superarsi, i due sognano di lasciare un segno nell’atletica leggera giapponese. Iniziano a sfidarsi in pista, ma la guerra incombe e il futuro si fa incerto. Tra desideri e promesse infrante, il tempo scandito dai bombardamenti costringe chi resta a fare i conti con le conseguenze.

A volte correre non basta. A volte correre è tutto ciò che si può fare.

Nota: l’opera ha vinto il Golden Award al 17° International Manga Award.

Cosa ne penso?

La casa editrice Toshokan riesce sempre a portare al pubblico delle perle di storie, forse di nicchia, ma proprio per questo preziose. Sono opere che parlano al cuore, che raccontano l’essere umano nelle sue contraddizioni, nei suoi drammi e nelle sue speranze. Wind Chaser – Più veloci del vento appartiene esattamente a questa categoria: un racconto che non si limita a intrattenere, ma che trasmette emozioni autentiche, crude e al tempo stesso delicate.

Avevo letto tanti commenti entusiasti su Instagram, feedback pieni di ammirazione e gratitudine per questo manhua, e alla fine non ho resistito: ho deciso anch’io di recuperarlo. Una volta immersa nelle sue pagine, ho capito perché. La frase riportata sul retro della copertina – “A volte correre non basta. A volte correre è tutto ciò che si può fare” – è diventata per me il nucleo centrale non solo della storia, ma della riflessione che suscita. È una frase che condensa dolore e speranza, fatica e resistenza. È una frase che si sente vibrare sotto pelle.

Siamo alla fine della Seconda Guerra Mondiale. Il cielo di Taiwan, finalmente, comincia a liberarsi dai fumi della battaglia; i treni tornano a solcare le rotaie, e gli esseri umani riprendono timidamente il loro quotidiano. Ma Taipei porta ancora le cicatrici dei bombardamenti. Case distrutte, famiglie spezzate, vite perdute. In mezzo a queste rovine si muovono due ragazzi, due anime giovani che scelgono di inseguire un sogno. Non è un sogno grandioso, non è un’impresa eroica: è la corsa. Il loro desiderio è sfidarsi, rincorrere quel treno che a Taipei era chiamato “la nobildonna”, cercare ogni volta di essere più veloci, di superare i propri limiti, di lasciare un’impronta.

Ma in realtà non è solo la storia di due giovani che competono su una pista d’atletica. È un intreccio di emozioni e responsabilità, una parabola sull’amicizia, sul peso del passato, sul valore della memoria. La narrazione si muove come onde, tra flashback e presente, facendoci comprendere quanto il passato di Taiwan – bombardamenti, perdite, distruzioni – continui a premere con forza sul presente. Le vite dei due ragazzi diventano il riflesso di un’intera generazione: famiglie distrutte, amici

scomparsi, desideri che non trovano compimento. Ma anche sogni che vengono raccolti e trasmessi, come una torcia che passa di mano in mano.

Correre, in questo manga, diventa simbolo universale. È l’unico gesto che resta possibile quando tutto sembra perduto. Correre significa ricordare chi non c’è più, portare avanti un desiderio, non fermarsi davanti all’assurdità della guerra. Correre è resistenza, ma è anche libertà.

La storia è cruda e intensa. Da una parte c’è la guerra, con la sua violenza, i suoi bombardamenti, la sua capacità di distruggere case e anime. Dall’altra c’è la tenerezza, la forza dei legami umani, la volontà di abbracciarsi, di sostenersi a vicenda, di aiutare chi porta un dolore troppo grande per essere sopportato da solo. Un padre che ha perso moglie e figlio, un amico che ha visto morire il proprio compagno di vita: tutti cercano in qualche modo di restare in piedi, di non lasciarsi travolgere.

Non è una storia facile. Non consola, non edulcora. È una storia necessaria, perché attraverso le immagini e le parole ci ricorda che non siamo lontani da quelle stesse tragedie. La guerra non appartiene solo al passato: ancora oggi ci circonda, ci sfiora, ci minaccia. Wind Chaser ce lo dice senza retorica, con la potenza semplice della narrazione.

E spesso le parole non bastano. Si sbriciolano nell’aria, leggere e impotenti. A volte sono i gesti a parlare più forte. A volte è il silenzio che abbraccia e conforta più di mille discorsi. Questo manhua è come quel silenzio: avvolge, fa riflettere, lascia un segno. È una corsa che continua anche dopo aver chiuso il libro.